Uma poética da libertação dos corpos
É próprio da performance como campo de conhecimento superar o
logocentrismo, que concentra o saber humano somente na razão e nos
discursos, e o pensamento binário, que constitui pares dicotômicos
hierárquicos e excludentes, como sujeito/objeto, mente/corpo, razão/emoção,
homem/mulher, masculino/feminino. Com isso, não somente valoriza os
saberes do corpo, mas coloca em xeque questões de gênero e identidade.
A performatividade é um conceito sobre o qual muitos já escreveram. Dentre
elas, Judith Butler, no viés do feminismo e da teoria queer, pensando o
processo de constituição do gênero por meio da internalização das normas do
que é ser homem ou ser mulher, manifestas nos corpos. E Josette Féral e
Erika Fischer-Lichte, ao apresentarem teatro performativo como aquele no qual
a presença sobrepõe a representação.
“Esse Corpo Meu”, criação da Téspis Cia de Teatro, de Itajaí, com a Periplo
Compañia Teatral, de Buenos Aires, trafega por esses dois territórios, da
performatividade de gênero e teatral, com admirável habilidade em colapsar a
oposição entre forma e conteúdo. Max Reinert e Denise da Luz corporificam os
estereótipos do masculino e do feminino e os lançam num jogo de intercâmbios
e mutações, que desestabilizam o binarismo dessa oposição, mostrando
possibilidades transgressoras e transitórias.
Trans. Eis o prefixo-chave, já transformado em conceito. Remete ao universo
da diversidade sexual, nas figuras de travestis e transexuais, não como novas
categorias estanques, mas, justamente, como a liberdade de transcender
categorizações, transitar “entre”, “além” dos polos dos binômios. Nesse sentido,
além de um movimento no campo dos direitos humanos fundamental em
nossos tempos, o “trans” transpõe qualquer gueto para afirmar a liberdade do
ser, a possibilidade de desvencilhar-se dos restritos padrões normativos da
constituição da identidade. Assim, liberta cada indivíduo de experimentar sexo
e gênero como aprisionamento.
Em Belo Horizonte, “Esse Corpo Meu” encontra um espelho: o espetáculo
“Trans”, do coletivo This is noT, realizada pelos performers Guilherme Morais e
Ana Luísa Santos. As coincidências são várias, desde o diálogo com a
argentina, a partir das pesquisas sobre identidade de gênero da ONG Futuro
Transgenérico e da artista trans Susy Shock, até questões formais mais
específicas, como as imagens do duplo, configurada pelos atuantes, e a
simultânea frente de batalha nos campos da linguagem, da imagem e do corpo.
Ao traçar outras conexões entre o espetáculo da Téspis se a cena teatral
brasileira mais contemporânea, percebe-se a força estética e ética de um
conjunto de trabalhos. Ainda na capital mineira, uma das criações mais
desafiadoras do ano passado foi a cena “Não conte comigo para proliferar
mentiras”, dirigida por Alexandre de Sena, somando perspectivas críticas de
cor, classe e gênero; e “Rosa Choque”, sob a direção de Cida Falabella, e
“Calor na Bacurinha”, quando dirigida por Marina Viana, embora não abracem
frontalmente a questão trans, desconstroem estereótipos da performance de
gênero e do ser mulher. Já em Curitiba, há os trabalhos da Selvática Ações
Artísticas, dentre os quais “As Tetas de Tirésias”, mito transgênero primordial,
lembrado também no espetáculo de Itajaí.
O que faz desses trabalhos tão desafiantes para o espectador – falando
especificamente de “Esse Corpo Meu” também –, é a construção dramatúrgica,
energética e espetacular não de uma alegação, certeza ou defesa de ponto,
cristalizadores das ideias e das ações, mas de um questionamento. Uma crise.
Uma indagação.
Para isso, é determinante a não coincidência entre a cena visual e a cena
sonora – entre os movimentos dos corpos presentes e as vozes
desencarnadas em off. O tratamento poético dado às palavras mas também
sua forma de emissão, em eco, entre ruídos sonoros que remetem ao futurismo
oitentista de ciborgues transumanos. O caráter simbólico dos movimentos dos
atuantes, construídos numa operação de estilização que transforma os gestos
mais cotidianos, clichês de gênero, em estranhamentos.
A expressividade corporal de Max e Denise delineia-se plástica e
discursivamente como produtora de imagens impregnadas de simbolismo.
Vestir uma roupa corresponde a vestir um papel social, ou igualmente desvesti-
los, e o preparo corporal de ambos permite o livre trânsito pela gramática do
feminino e do masculino. Quando finalmente as gestualidades se confundem,
inclassificáveis, os braços enfim se soltam, livres dos gestos pré-programados
da moça e do macho, e dançam explorando o espaço.
A cena da construção da mulher perfeita é exemplar: impressiona o quanto se
reconhece do ideal feminino socialmente aceitável no frankstein-mudo. Este e
outros momentos ainda fazem pensar sobre a complexa relação entre a
construção do feminino pelo corpo-mulher e pelo corpo-homem. A diva loira
como algo do qual a mulher precisa se libertar, mas que o corpo-homem, se
não cisgênero nem heteronormativo, almeja como libertação.
Corpos e sons geram uma atmosfera sinestésica, uma sensibilidade particular,
de uma delicadeza estranha, leve acidez afetiva a corroer pouco a pouco as
certezas do espectador. O que se faz no palco, segundo o próprio texto, é a
paródia da paródia da paródia. O humano que imita o humano que imita o
humano que imita. As figuras em cena insistem em risos satíricos – riem de si
ou de nós? Recobrem com uma camada de cinismo tudo o que mostram.
Na apresentação realizada no IV Festival Brasileiro de Teatro Toni Cunha, a
presença de uma turma de estudantes na plateia extravasou o difícil convívio
desse tipo de proposição cênica com um público indisposto ao confronto
estético, manifesto no fiufiu sexista, na surdez e na cegueira eletivas para o
que não se quer enfrentar – atitudes comuns a outros estratos da sociedade
menos dispostos a se autodenunciarem em gritos adolescentes.
Diante de cenas sugestivas como a bolinha que repetidamente rola do homem
em direção ao meio das pernas da mulher e o brincar de carrinho e de boneca,
entrevê-se a puerilidade da heteronormatividade castradora. Mas “Esse Corpo
Meu” não trata o espectador como criança. O cinismo é um modo de olhar para
esse indivíduo infantilizado socialmente pela simplificação normativa,
padronizada e binária do mundo como o adulto que ele é.
O espectador olha para a cena ou a cena olha para o espectador?
percorre o mundo trazendo sofrimento a todos. Tia Miséria, no
dia em que deveria morrer, engana a Morte, que acaba ficando presa em sua
árvore. Em um acordo feito diante do olhar de todos, Tia Miséria liberta a
Morte e pede em troca que a sua vida não seja levada. Decide, então, viver
ingenuamente procurando pelo seu filho para que, somente junto dele, possa
abandonar este mundo que nunca os quis.
Tão escasso é o espaço para
a poesia em nossos dias, arte que entre os modernistas atingiu altíssima
elaboração estética antes de desconstruções mais radicais ao longo do século XX,
que ouvir generosos trechos da obra de Fernando Pessoa é um prazer estético por
si só significativo. Falar da vastidão da obra do poeta português é pouco
quando são muitas obras em uma; cada qual com seus traços formais, éticos, cosmológicos
e subjetivos singulares. Mares profundos que apontam na superfície da costura
dramatúrgica do monólogo “As Pessoas de Minha Pessoa”, de Valentim Schmoeler.
Heterônimos adentram o
pequeno corredor entre as plateias numa ordenação linear de quem inicia o
espectador na poesia do mestre português. Para isso, busca uma relação cordial
com o público. A somatória de versos atribui coerência narrativa às inter-relações
semânticas, de modo que a passagem de um a outro é feita coloquialmente – mesmo
que, na dramatização de poemas inteiros tornados cenas, as citações-aforismo, tal
qual “tudo vale a pena se a alma não é pequena” (que se emancipou dos outros versos
sobre a travessia marítima), destoem pela excessiva repetição, que os faz refrão
imediatamente reconhecível. Com a força e a superficialidade dessa condição.
Sinopse: Uma família posa para um
retrato. O instante de um flash revela além da superficialidade. Mostra a
frágil estrutura por trás dessa imagem perfeita. Segredos postos ao chão.
Suspensão do tempo. Cada um de seus integrantes expõe seus mais íntimos e
secretos desejos. Todos são espelhos. Todos juntos. Um encontro de família em que
a realidade, o simulacro e o delírio confrontam-se em um quadro mais que
verdadeiro.
É próprio da performance como campo de conhecimento superar o
Diante de cenas sugestivas como a bolinha que repetidamente rola do homem